Por Miguel Vicente Clager. Docente en Idecrea y creativo.
Todos conocemos el eterno debate sobre la diferencia entre arte y diseño. Podemos encontrar cientos de artículos que abordan este tema. Muchos autores defienden el exclusivo carácter comunicativo, concluyente y resolutivo que posee el diseño, dejando para el arte los aspectos más ambiguos, conceptuales y libres.
Sin embargo, podemos encontrar otros creadores que plantean una posición totalmente opuesta. Defienden la comunión de los valores que definen ambas disciplinas. Entonces, ¿Un cartel puede resolver las necesidades comunicativas para llegar a un cierto sector y respirar a la vez la libertad expresiva propia de un artista?.
Es difícil encontrar una única respuesta que defina los parámetros que hacen que un trabajo sea diseño o arte. Por lo tanto, podemos entender que cada obra puede aportar una combinación de arte y diseño con determinados porcentajes. Entre el blanco y el negro hay muchas escalas de grises. Unos trabajos pueden ser más luminosos y otros más oscuros, es decir, un trabajo gráfico puede virar más hacia una disciplina u otra.
Las estrategias plásticas y los conceptos como color, forma y composición se desarrollan tanto en arte y diseño. La diferencia radica en la intención. Al fin y al cabo las necesidades responden a la transmisión de un mensaje que dependerá de la aceptación colectiva, como es el caso de una campaña publicitaria. O de lo contrario, de una aceptación personal, obteniendo una reflexión, una respuesta abierta.
En la práctica no es extraño encontrar numerosos artistas que se han sentido muy atraídos por tan popular disciplina como es el diseño. Los artistas plásticos dominan las herramientas idóneas para elaborar un trabajo expresivo, tomando referentes de la historia del arte. Podemos comprobarlo dando un breve repaso desde los inicios del diseño gráfico.
Uno de ellos es Toulose Lautrec. Infinidad de ilustraciones míticas que retratan las locas noches del Moulin Rouge se recogen en una amplia colección de carteles de impronta manual, elevando al cartel a la categoría de arte.
Ramón Casas, catalán y coetáneo al artista francés, también elaboró diversas campañas publicitarias a través de su destreza manual. Creó imágenes tan conocidas como el cava Freixenet a principios del siglo XX, fijándose para la historia de nuestra cultura popular el famoso niño vestido de rojo con la botella debajo del brazo.
Si nos adentramos en la especialidad de identidad corporativa, muchos se sorprenden cuando descubren que la popular marca de piruletas chupa chups fue elaborada por el artista surrealista Salvador Dalí. Una marca que mantiene su estructura lobulada original y que ha sufrido los mínimos cambios hasta la actualidad.
En el caso del padre del Pop Art, Andy Warhol, es todo lo contrario vivido hasta aquella fecha. Procedente del mundo de la publicidad, rompió los paradigmas establecidos del arte para desmitificarlo por completo. Su discurso abanderó una legión de trabajos que promulgaban la popularización del arte. Un arte que bebía de los mecanismos y estrategias del diseño gráfico publicitario y del mundo del cómic. Por primera vez, el lenguaje de la gráfica entraba en las galerías de arte. Pero de rebote regresaba al mundo de la gráfica. Por ejemplo, en la icónica portada musical del grupo Velvet underground, donde el propio artista ilustra con una banana que proyecta su reconocible lenguaje artístico-publicitario.
Muchas son las portadas de discos que se han elaborado por artistas reconocidos, resultando ser un género consolidado dentro del diseño gráfico. Es el caso de uno de los padres del pop, Jeff Koons. La cantante Lady Gaga encargó al norteamericano la portada de su cuarto disco de estudio Artpop . Este realiza una interpretación muy personal del mismo. Koons, una vez más, hace uso de su iconografía pastiche donde aúna la cultura de élite y consumismo.
Más adelante, a finales de los setenta – principio de los ochenta el arte urbano también tomará relevancia en las bellas artes. Artistas como Keith Haring crearon una iconografía propia de corte simplista y fácilmente moldeable para el campo de la gráfica. Muy reconocible por sus componentes plásticos, sencillos, tanto a nivel formal como cromático. Así como la creación de mensajes cargados de valores humanos muy directos y comprensibles por el gran público. Transitó de los muros de las calles a soportes más cotidianos como portadas de cuadernos, camisetas, llegando incluso a colaborar con la alta costura.
También, en España contamos con multitud de artistas plásticos que navegan en el campo de la gráfica. Juan Gatti, ilustrador y fotógrafo de moda y celebridades, ha creado innumerables carteles míticos que reconocemos al instante. Su obra se identifica directamente con la filmografía del manchego Pedro Almodóvar. La gran mayoría de sus películas quedan ilustradas por el artista gracias a la técnica del fotomontaje, la ilustración o el collage, sello inconfundible en la gran mayoría de su obra.
Como hemos visto hasta ahora los artistas han sido los encargados de realizar un trabajo creativo convirtiéndose en diseñadores gráficos. Son los únicos responsables de elaborar una imagen a partir de texto e imagen, una integración indivisible. Pero también existen las colaboraciones donde estos ceden su obra por el atractivo del mismo y un diseñador gráfico lo amolda a las exigencias del mensaje. Es el ejemplo del festival valenciano Cabanyal Intim, festival de teatro íntimo que tiene lugar cada año en el popular barrio del Cabanyal de Valencia. Un artista plástico reconocido a nivel nacional cede una imagen de su obra para que posteriormente un diseñador gráfico coloque el mensaje del modo más integrador. La premiada Carmen Calvo o la perfomer Esther Ferrer ya han sido protagonistas de las últimas ediciones.
Este pequeño barrido puede ayudarnos a obtener una idea más aproximada sobre la relación entre arte y diseño. Pero depende de cómo te enfrentas a ello puedes encontrar tu propia respuesta.
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